A UNC-CH Department of Romance Studies publication since 1968, Hispanófila appears three times per year. The journal accepts innovative essays on any literary or cultural topic dealing with the Spanish and Portuguese-speaking worlds.
University of North Carolina at Chapel Hill, Department of Romance Studies
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Viaje al fin del archivo: Desierto sonoro, de Valeria Luiselli
Desierto sonoro (2019) se ha destacado como una de las reflexiones literarias sobre la figura del archivo más significativas de los últimos años. A diferencia de las lecturas que exploran la novela vinculando este motivo al problema de los niños migrantes que atraviesan la frontera entre México y Estados Unidos, este artículo plantea que, tras el archivo anunciado de los niños migrantes, Desierto sonoro documenta el trabajo del escritor en tanto archivista y el proceso de producción de la novela en tanto archivo autobiográfico. De este modo, Luiselli construye una metanovela que aborda uno de los mayores desafíos de la escritura actual, enfrentada al desplazamiento del archivo letrado por nuevas configuraciones de sentido (proliferantes y sin mapas precisos) de las que el desierto fronterizo ejerce de metáfora espacial.
En este artículo, reflexiono acerca de la presencia de Dina Ananco como mujer y poeta wampis en el campo literario peruano, y sobre la defensa política y poética de su condición de mujer indígena dentro de su comunidad. Argumento que su ingreso a la poesía como sujeto racializado interpela al canon y afirma su condición de sujeto mujer que escribe. Su poemario, Sanchiu, afirma su identidad como mujer a través de una poética rabiosa que se rebela contra la condición de subordinación y silenciamiento de los sujetos femeninos dentro de su comunidad. Para ello, hago un recorrido sobre la participación de la mujer escritora en la poesía peruana contemporánea y el lugar que ocupa Ananco en el canon como poeta que escribe en lenguas originarias. Posteriormente, analizo algunos de sus poemas vinculados con la situación de la mujer indígena y mestiza, tomando en cuenta conceptos desarrollados por Rita Segato y Gloria Anzaldúa.
Dina Ananco, Sanchiu, género, escritoras peruanas, lenguas originarias
NO NACIMOS PA’SEMILLA: UN ARTEFACTO CULTURAL ICÓNICO DE LA VIOLENCIA JUVENIL EN COLOMBIA
El artículo establece cómo el libro No nacimos pa'semilla se ha consolidado como un ícono de la violencia juvenil en Colombia, desde su publicación en 1990 al explorar los aspectos contextuales que lo han llevado a ser utilizado por varias audiencias que encuentran significativas o reprochables sus temáticas. Esta interpretación innovadora del libro desde el giro icónico parte del análisis de su proceso de iconicidad en relación con la combinación de múltiples factores que el libro integra: una explicación oportuna de la aparición del sicariato en Colombia, la riqueza narrativa del libro entre relatos testimoniales, periodísticos y literarios, y la compilación de temáticas vigentes en la actualidad colombiana. Asimismo, se incluyen fragmentos de entrevistas como parte de la metodología de investigación propuesta en el marco de la sociología cultural. La investigación demandó la articulación de categorías conceptuales y metodológicas provenientes de la literatura, la sociología y la antropología que buscan analizar y describir densamente el proceso de iconicidad del libro. En este sentido, el estudio partió del análisis de No nacimos pa'semilla como texto narrativo, sobre la base de que los íconos se originan en la conjunción de una estructura profunda y significativa por la trascendencia de sus sentidos con una superficie estética que atrae a sus audiencias. Entre los hallazgos más significativos de la investigación está el reconocimiento de la penetración social de No nacimos pa'semilla que ha contribuido con sus representaciones en la construcción de imaginarios estereotipados de los jóvenes violentos en Colombia.
The first Mexican woman to publish her detective fiction, polymath María Elvira Bermúdez (1916?-1988) wrote innovative crime stories and the apparently conventional whodunit novel Diferentes razones tiene la muerte. This article argues that while honoring the whodunit’s strict protocols, Bermúdez unfolds an archeology of murder: the multifarious psychological drivers, or “diferentes razones,â€ of murder. The article unpacks the transactions of Diferentes with the first Mexican psychological crime novel, Rodolfo Usigli’s Ensayo de un crimen (1944), and with thinkers like Sigmund Freud, Friedrich Nietzsche, and Samuel Ramos. Sleuthing the clues in Diferentes reveals that the text mounts a polemic on the forms of psychiatry prevalent in 1940s-1950s Mexico (pre-Freudian, Freudian, and neo-Freudian) together with a referendum on criminology and Mexican identity discourse. As it excavates murder’s mysterious etiologies, Diferentes cracks open the explanatory power of any singular approach to Mexican identity or psychoanalysis and thus both Mexicanizes and modernizes detective fiction.
Mujer y feminismo en España a través de "La Cenicienta"
Resumen: Este trabajo analiza las versiones, adaptaciones y parodias de Cenicienta y cómo reflejan los roles y experiencias en continuo cambio de las identidades, roles y posición política de las mujeres en España. El ensayo explora también cómo las diversas versiones de la feminidad en el cuento reflejan los cambios sociales y políticos en el país y el contexto en que se desarrollan. Por último, examina cómo el personaje de Cenicienta es una mímesis de las transformaciones históricas y sociales nutridas por el Zeitgeist cultural.
La canción de autor, la literatura y la crítica
Este artículo analiza la posición que ocupa la canción de autor como objeto artístico dentro del sistema de la literatura. A partir de la teoría de los polisistemas se estudia la relevancia que tienen en ello el canon y la crítica literaria para llegar a la conclusión de que esta segunda tiene la capacidad de legitimar el estudio literario de las letras de la canción de autor. Sobre esa base, se explican en un segundo bloque cuáles son las particularidades que las letras de la canción de autor tienen en lo que respecta a su estudio desde la perspectiva literaria.
¡Yo Soy Conocida Mundial! El testimonio y las crónicas trans de Cristina Ortiz 'La Veneno'
Cristina 'La Veneno' Ortiz, personaje de la cultura televisiva española, publica sus memorias, junto a Valeria Vegas, bajo el nombre ¡Digo! Ni puta ni santa. Las memorias de la Veneno (2016) unas memorias sobre los altibajos sufridos por ser mujer transgénero que se recopilarí­an de manera oral, con una grabadora, luego se transcribirían y se publicarí­an como autobiografía, y que, finalmente, se adaptarían visualmente en la serie Veneno (2020) dirigida por Los Javis. Veneno (2020) se nos presenta como un biopic basado tanto en el libro como en otros testimonios sobre la vida de Cristina. Este ensayo pretende adentrarse en el mundo del testimonio audiovisual como reconstructor de la memoria colectiva transgénero. Planteamos que, mediante la voz simbólica de La Veneno, estas (auto)biografías patentan tanto la realidad sociocultural como los testimonios de la realización identitaria, sexual y profesional de la comunidad trans en España. Así­, nos preguntamos: ¿cuál es la función del testimonio oral en la creación de la biografía visual Veneno? ¿Cómo se construye, en la serie, la memoria individual vs. colectiva basándose en el libro? ¿Cómo expone La Veneno la circulación de las ideas sobre el travestismo y la identidad transgénero que formaban parte de la contracultura en los 90? Partiendo de lo que Kellner denomina "media culture", y la teoría de la postelevisión de G. Imbert, argumentamos que el testimonio tanto en ¡Digo! como en Veneno se convierte en una explotación del imaginario trans que no solo cristaliza la representación de una memoria colectiva anclada en la represión y violencia sociopolítica, sino que lo hace de manera polifónica.
“DON QUIJOTEâ€ DE VÃCTOR ULLATE: MÃS QUE UNA OBRA DE TEMA ESPAÑOL
El libro Don Quijote de la Mancha (1605-1615) es una de las obras que más ha influenciado a otros creadores de todas las ramas artísticas. Autores como Juan Montalvo, Miguel de Unamuno, Andrés Trapiello han encontrado inspiración en esta obra y escrito continuaciones de la misma. En lo que respecta al ballet, una versión que resalta por su españolidad es la realizada por el bailarín, maestro y coreógrafo español Víctor Ullate, fundador y director del Ballet de la Comunidad de Madrid. Esta adaptación del Quijote, aunque basada en el libreto y la estructura de las versiones de Petipa y Gorski, resulta novedosa por la inclusión de movimientos más contemporáneos y flamencos y también otras composiciones musicales que no pertenecen a la música compuesta por Minkus para este ballet. Este trabajo se propone mostrar cómo la intercalación de escenas de otros capítulos del libro en este ballet y de otros espacios producto de la inventiva del coreógrafo, no sólo aporta nuevas interpretaciones y matices a los capítulos XIX, XX y XXI de la segunda parte del libro, sino que también diversifica la puesta en escena, ofreciendo a la audiencia una interpretación enriquecida y más españolizada que contribuye al conocimiento de la obra de Cervantes. También se analizará el factor cómico y masculino como aspectos vinculados con el identitario nacionalista español.
Adaptación, espacio, identitario, sinécdoque Andalucía=España, masculinidad
HACIA UN BARROCO HIPERTÉLICO: SOBRE LA POESÃA DE SEVERO SARDUY Y MANUEL RAMOS OTERO
En Medusa y Cía., Roger Callois elige la palabra “hiperteliaâ€ para designar “una especie de delirio de perfección sin objetoâ€ que advierte en algunos insectos en la medida en que, muchas de sus conductas miméticas, ostentan “un lujo de precauciones, un exceso de simulacroâ€ que no es posible explicar en función del instinto o la utilidad. En el presente artículo proponemos una lectura de la obra poética tardía de dos escritores caribeños contemporáneos e “hipertélicosâ€ que delinearon a través de su escritura una poética de resistencia: Severo Sarduy y Manuel Ramos Otero. La figura del insecto, y especialmente la de la mariposa, será clave para reflexionar sobre la obra de ambos autores. Nos parece posible leer en las trayectorias poéticas tardías de estos autores la prodigalidad del “mariposeoâ€ como una estrategia compensatoria les permitirá apropiarse del barroco-barroso, del melodrama, el bolero y de esa “pulsación goyesca entre la risa y la muerteâ€ (Sarduy) para insistir en la precariedad de un disfrute sin fin y sin objeto. Sobrevolando certezas con un abrir y cerrar de brillos, colores y efectos visuales, lo que llamamos “maripoesíaâ€ rechaza lo fijo, inmutable o certero, en un movimiento permanente que reafirma la vitalidad. Sarduy y Ramos Otero proponen así una alternativa poético-activista donde la figura del marica, mariposón, la loca, aparece como una verdadera propuesta contracultural, desde una poética donde el cuerpo, sus placeres y su caducidad –los sacrificados de la cultura occidental, regresan con humor y violencia a la escena misma de su exclusión.
Antígona González o cómo tejer una comunidad desde los pedazos
Abstract: This article delves into the ethical-aesthetic alliance present in Antígona González, the conceptual piece published by the Mexican writer Sara Uribe in 2012. Through an interdisciplinary dialogue between literature, cultural studies and ethics of care, we seek to analyze the specificity of the relationship between the presence of extraordinarily vulnerable poetic subjectivities and the direct impact on them of the violent practices that unfold with impunity in the context in which they are located. Under this approach, we will examine two dimensions to which the text points and which have not yet been explored in depth: the existence of epistemic-material mechanisms of social regulation that intervene in the exclusion of specific populations in the Mexican space (migrants and people in poverty whose lives have not reached the right to a public mourning); and the ethical potential that lies in poetically weaving a writing community of mourners and a speech capable of resisting the devastating logic of terror. Resumen: Este artículo profundiza en la alianza ético-estética presente en Antígona González, la pieza conceptual publicada por la escritora mexicana Sara Uribe en 2012. A través de un diálogo interdisciplinar entre literatura, estudios culturales y éticas del cuidado se busca analizar la especificidad de la relación entre la presencia de subjetividades poéticas extraordinariamente vulnerables y el impacto directo sobre estas de las prácticas violentas que se despliegan con impunidad en el contexto en el que ellas se emplazan. Bajo este enfoque, se examinarán dos dimensiones a las que el texto apunta y que aún no han sido exploradas en profundidad: la existencia de mecanismos epistémico-materiales de regulación social que intervienen en la exclusión de poblaciones concretas en el espacio mexicano (personas migrantes y en situación de pobreza cuyas vidas no han alcanzado el derecho a un duelo público); y el potencial ético que reside en tejer poéticamente una comunidad escritural de dolientes y un habla capaz de resistir a la lógica devastadora del terror.
Ethics of Care Cultural Studies Literature
Espacio y cultura material en La hija extranjera de Najat El Hachmi
En la novela La hija extranjera, traducción del original La filla estrangera, Najat El Hachmi presenta un relato en primera persona de las dificultades de una joven de origen magrebí para liberarse de la tradición e integrarse en la sociedad catalana. El propósito de este artículo es analizar el modo en el que el vínculo de la narradora con la cultura material y el espacio, tanto urbano como doméstico, facilita un cuestionamiento de la promesa de movilidad social, basada en el esfuerzo y mérito individual, que promueve el capitalismo tardío en occidente, al tiempo que afirma el potencial de autonomía e independencia de la mujer emigrante de origen musulmán. Por medio de la conexión de la joven con objetos, lugares y espacios que conforman su mundo cotidiano, la autora emite un comentario crítico de los prejuicios racistas y de la injusticia inherentes a una sociedad supuestamente multicultural que, sin embargo, ignora el talento, laboriosidad y enorme potencial de la mujer emigrante, negándole la oportunidad de progresar. En consecuencia, a pesar de que la novela problematiza a través de su tortuosa experiencia la noción del esfuerzo individual como garantía de movilidad social, con el propósito de subrayar las deficiencias estructurales de las sociedades avanzadas y modernas, reclama a través de la capacidad de la narradora para lograr su emancipación mediante la ocupación plena del espacio ciudadano y del entorno privado la liberación absoluta de todas las mujeres, independientemente del origen y de la tradición cultural.
Desierto sonoro, de Valeria Luiselli: entre la imposibilidad de archivo y la nostalgia de la ciudad letrada
Este artículo gira en torno a la relación que Desierto sonoro (2019) establece con el concepto de archivo, uno de los más productivos para pensar la literatura mexicana de las tres últimas décadas. En primer lugar, reflexiono sobre el modo en que el trabajo de Luiselli explora uno de los tropos más visitados por esta literatura: el viaje al desierto como metáfora de la dificultad que encuentra el escritor contemporáneo para componer un archivo de la violencia sistémica que aqueja al país, una de cuyas manifestaciones son los niños que atraviesan solos la frontera, motivo que desencadena la escritura de Desierto sonoro. A partir de aquí­, interpreto que la obra de Luiselli se interroga sobre la posibilidad de documentar este problema desde la nostalgia del archivo, es decir, como una obra que, a contracorriente de las tendencias actuales, representa la última reivindicación del archivo de alta cultura destinado, en los términos de la ficción que nos ocupa, a desaparecer.
"Canadá, página de nieve": la reflexión metapoética en la poesía del exilio de Jesús López Pacheco
Asilo poético (el poemario que recoge la poesía del exilio en Canadá del poeta republicano español Jesús López Pacheco) afronta el desafío de representar el espacio del exilio. Por una parte, el discurso poético debe dar cuenta fehacientemente de este espacio hostil (tanto por su carácter urbano, como por la dureza de su invierno). Por otra parte, por su novedad, este espacio simultáneamente demanda una experimentación formal que vaya más allá de los parámetros del realismo. La hipótesis de este artículo es que la forma en que Asilo poético resuelve este desafío es la autorreflexibilidad de la escritura poética. Con el fin de desarrollar esta propuesta de lectura, el marco teórico del análisis se articula en un eje semiolingüístico bisistémico. Se desvela así una reflexión sobre la correspondencia entre la imposibilidad de escribir sobre la página y la imposibilidad de escribir sobre el libro del mundo, así como, mediante el recurso del palimpsesto, el desarrollo de una Poética de la autocorrección o la borradura continuas. En última instancia, Asilo poético propone una reflexión sobre la semiosis poética como proceso imposible y, acaso como la experiencia del exilio, sin clausura.
IMPERIO, ESTADO MODERNO Y PODERES LOCALES. LOS POSTULADOS SOBRE LA HISTORIA NATURAL Y LA CAPITALIZACIÓN DE LA NATURALEZA EN EL VOLUMEN 1 DE EL PERÚ DE ANTONIO RAIMONDI
Mi investigación revisa la compresión de los viajes de los naturalistas europeos en América como herramientas funcionales para la expansión imperialista en el siglo XIX. A partir de la revisión de los viajes y trabajos en Perú del naturalista italiano Antonio Raimondi, contenidos en el el primer volumen de su enciclopedia El Perú, muestro que, luego de 19 años de viaje, se define por efectuar sus investigaciones al servicio de las autoridades tradicionales que dominan el interior del país. Sostengo que Raimondi concluye que ello resulta más útil para fines científicos que depender de las metrópolis europeas, las que desconocen las necesidades de las investigaciones en América, o del Estado peruano, que, fuera de Lima, carece de autoridad para facilitar su trabajo. Entiendo que ello lo conduce a efectuar un ensamblaje local de las operaciones naturalistas (fr. agencement) , uno que apela a sus componentes de ciencia aficionada y ciencia romántica, a las adaptaciones más exitosas que Raimondi conoció y puso a prueba en sus años de viajero, y a los saberes tradicionales de cada localidad. Lo escinde así de la funcionalidad a propósitos imperiales, es decir, de codificar los territorios y los recursos naturales americanos solo en clave del Estado moderno, el modelo de admiración territorial que Europa favorece, y, a través de él, habilitar mercancías para el sistema económico capitalista internacional que la beneficia.
Nomadic Mestiza in Carmen Boullosa’s Duerme (1994)
This study analyzes how a nomadic figure, Claire Fleurcy, transcends not only physical boundaries but also essential and monistic identities. My study takes Judith Butler’s performative theory and Rosi Braidotti’s notion of “nomadismâ€ as a main theoretical framework and proposes a new terminology, “nomadic mestiza.â€ Nomadic mestiza recognizes Claire’s constant change as a nomadic subject and her mestizaje to returning before establishing the binarism based on Eurocentric vision. Claire’s nomadism is only possible and meaningful with the recognition of mestiza identity. While nomadism refers to open, fluid, and non-hierarchical relationships, a mestizaje reminds readers of the violence of Colonial Mexico and reveals her pain. The coexistence of the nomadism and the mestizaje embodies circularity and understands different histories from the periphery told by different voices. The circularity has the power to challenge the official history and to recover the forgotten voices by the hegemonic power of discourse.
N/A Identidad y racismo estructural en Qué hace un negro como tú en un sitio como este (2021), de Moha Gerehou
La obra que se presenta en este artículo es una denuncia contra el racismo sistémico existente en la España actual a través de un compendio de experiencias vividas por el activista afroespañol Moha Gerehou. Este ensayo es un manual pedagógico que revela la exclusión y marginación a la que se ven sometidas las personas racializadas en todos los ámbitos de la vida como pueden ser la vivienda, la educación, los medios de comunicación, el ocio o incluso el amor y de cómo se debe combatir ese racismo estructural que atraviesa el cuerpo racializado de los españoles afrodescendientes. Gerehou ofrece una (contra)narrativa descolonizadora en las antípodas de los discursos institucionales estatales deconstruyendo la imagen negativa de lo africano y dando visibilidad a la población afrodescendiente, además de aceptar la españolidad y lo español como algo múltiple o poliédrico.
Identidad, racismo, antirracismo, afroespañol.
From Sunday Dresses to Uniforms of Servitude
Carmen de Burgos’s La rampa portrays the struggles and complexities of a woman’s life in poverty through the female protagonist, Isabel, who finds herself in bankruptcy after the death of her parents and is forced to find employment as a salesgirl at a bazaar in central Madrid. The novella illustrates multiple themes of womanhood, from female friendships and romantic relationships to motherhood and the tragedy of losing a child. While Burgos’s work focuses on Isabel and her struggles, throughout the novella are sartorial descriptions including the use of accessories in coquetería, the process of dressmaking, and the distribution of secondhand clothing. Although such details may seem secondary in contrast to the main storyline, they contribute to our understanding of how bodies negotiate and showcase their identities. This essay argues that sartorial elements play a crucial role in the representation of both female and male subjects. Throughout the novella, identity is constructed, negotiated, censored, and made visible through one’s attire. For the subjects we encounter in La rampa, fashion is both empowering and delusory. On the one hand, fashionably dressing the body becomes a form of empowerment as sartorial elements are manipulated to negotiate one’s social standing. However, as the novella quickly shows, this type of self-fashioned identity is delusory as it does not guarantee one’s social mobility. Isabel learns this as she exchanges her bright Sunday dress with uniforms of servitude that render her invisible.
López de Ayala, traductor de Boccaccio (las questioni d’amore del Filocolo)
En el siglo XVI se publicó una traducción parcial en español del Filocolo de Boccaccio con un doble título: Laberinto de amor y Trece cuestiones muy graciosas. En este trabajo se examinan y explican algunas de las intervenciones más significativas del traductor por omisión, adición o adaptación a sus principios ideológicos y al contexto sociocultural.
Mujeres, pacifismo y panamericanismo: el viraje transnacional de Clara Campoamor en la prensa de Buenos Aires
En marzo de 1938 y tras un breve paso por Lausana, la abogada y escritora Clara Campoamor (1888-1972), quien fuera una de las primeras diputadas de la Segunda República Española y mujer gracias a la cual se aprobó el voto femenino en España en 1931, fija su residencia en Argentina, país en el que permanecerá exiliada hasta 1955. Allí se reinventará profesionalmente y desarrollará su faceta periodística en diferentes medios de la prensa porteña participando en debates intelectuales de la época a través de su escritura. Mediante el análisis de sus colaboraciones en las revistas Saber Vivir y ¡Aquí Está! en 1942, es decir, en el contexto de la Segunda Guerra Mundial, en este artículo estudio cómo durante el exilio de Campoamor en Argentina se produce en su pensamiento un viraje de interés hacia los debates feministas internacionales, especialmente americanos, derivado de su nueva situación. De entre las iniciativas feministas sobre las que escribe Campoamor, va a destacar el papel de la mujer dentro de la política del panamericanismo. Campoamor considerará que la amplia actividad política y la participación social de la mujer estadounidense son, desde su punto de vista, el modelo que deben seguir sus lectoras argentinas para la supervivencia de la democracia y el mantenimiento de la paz entre las naciones. Mi trabajo se plantea como una contribución a la reinterpretación del lugar de los feminismos dentro del exilio republicano español y su permeabilidad con el contexto argentino de la década de 1940.
En este artículo examino las respuestas literarias feministas y femeninas ante una violencia sistémica que se ha encargado de borrar y silenciar la escritura “de mujeresâ€. Enmarco mi anaÌlisis entre dos manifestaciones masivas: la marcha contra la violencia del 2011, encabezada por el poeta Javier Sicilia y las marchas contra la violencia de género iniciadas en Argentina en 2016 y replicadas en toda Latinoamérica (#NiUnaMenos, #NosQueremosVivas, #MeToo México). Primero llevo a cabo una contextualización del panorama de la literatura mexicana a partir del Boom femenino, en diálogo con Ignacio Sánchez Prado y Emily Hind, críticos que han trabajado la literatura y la cultura mexicana contemporánea. Posteriormente, examino Los Muertos indóciles. Necroescrituras y desapropiación de Cristina Rivera Garza (2013) y la antología Tsunami (2018), dos textos híbridos que leo como textos-manifiestos que fisuran una hegemonía masculina. Desarrollo el concepto de “escrituras naúfragasâ€ como un tipo de escritura que se reapropia del “yoâ€ para cuestionar las genealogías y geografías existentes. Las escrituras naúfragas son aquellas escrituras consideradas menores: diarios, cartas, fragmentos, tachaduras. Escrituras inacabadas, hechas a la intemperie, sin la legitimación del canon. Se abren paso en la calle como en las redes, gracias a los esfuerzos colectivos recientes por visibilizar a las mujeres en todos sus espacios. Conscientes de sus faltas, porosas y receptivas, son escrituras que hacen de lo pequeño su grandeza: narran escenas íntimas a la vez que denuncian. Acuerpan la escritura y se acompañan en un colectivo, en una conversación, en una serie de demandas que se articulan como olas.
Feminismos Tsunami Escrituras Feministas Literatura contemporánea México
Ramón López Velarde: la hora gris de la poesía mexicana
El propósito del presente trabajo es realizar una lectura de la poesía de Ramón López Velarde como producto de la incertidumbre de una etapa histórica de intensos cambios. La lírica del jerezano hinca sus raíces en la melancolía, una emoción que muestra múltiples caras, desde la fuerte tendencia erótica a los posicionamientos políticos, lo cual no excluye, e incluso explica, ciertas vacilaciones y contradicciones que son muy evidentes en sus textos. El enfoque se basa en las atinadas observaciones sobre la melancolía de los ya mencionados Roger Bartra y Manuela Castro Santiago, con el apoyo de algunos estudios acerca del contenido emocional de los textos literarios a partir de su configuración lingüística. La obra poética de López Velarde es ejemplo de cómo la melancolía se transforma en un componente emocional que adopta aspectos diversos, que pueden parecer incluso contradictorios, como religión y erotismo, o como fe y ciencia
¡OYE, HOUSTON, MÉXICO!: ESTRATEGIAS DE STAGE Y EL SUJETO PERFORMÃTICO EN BIDI BIDI BOM BOM, DIEZ Y CINCO WRITERS EN TORNO A SELENA (2019) DE NORA DE LA CRUZ
Mi trabajo examina las diferentes estrategias para convertir este texto en un libro-stage; así como explorar el abordaje de la figura de Selena como sujeto político en la performancia de género y etnia en el contexto de hibridez y polisemia que ella representa. Me interesa principalmente la manera en que la figura de Selena como actor central se ha convertido en un telón blanco sobre el que se proyectan y se negocian identidades de un público que está asimismo en constante construcción -una audiencia tejana, tex-mex, fronteriza, mexicana, chicana, hispana, latina, latinoamericana, -y el drama perpetuo del estatus migratorio sobre estas audiencias-; así como la capacidad en que su sujeto performático regresa una imagen que es capaz de empatar con una amplia diversidad de subjetividades: mujer, queer, ‘mujer de color’, reina, ángel y quinceañera. Cada uno de los textos escogidos aborda el sujeto Selena como parte de alguna de estas negociaciones; muchas veces su figura es el pretexto (y pre-texto) para la exploración identitaria y el reclamo social (desde la condición migratoria hasta el feminicidio). Ella funciona como un referente polisémico y personal donde el espectador-lector dirime su posición ante sus propios rasgos constitutivos de género y etnia, pero también como agente social de cambio ante las demandas de las minorías.
Del archivo-letrina al archivo de (sobre) vivencia en El Central (1990) de Reinaldo Arenas
En este ensayo analizo El Central de Reinaldo Arenas, poemario escasamente estudiado dentro de su obra. Propongo que en éste late una pulsión archivística que revela y opone dos clases de archivo que disputan un espacio para la representación de Cuba: por una parte, un archivo oficial o archivo letrina y, por otra parte, un archivo periférico o archivo de (sobre) vivencia. Así las cosas, sostengo que el escritor en este texto, en oposición al archivo-letrina que se encarga desmentir y “descargarâ€ las mentiras de la Historia, gesta un archivo de (sobre)vivencia, esto es, una práctica de sobrevida, un ejercicio producido en un contexto de absoluta precariedad, violencia y represión en el marco de la Revolución Cubana que, comparece, literalmente, como una intervención testimonial de supervivencia. En medio de la plantación, sus imperativos éticos y disciplinamientos corporales, el poeta-recluta escribe y guarda, imagina y esconde lo fabulado, poetiza y oculta. El archivo de (sobre) vivencia que el poeta construye -quizá construido a hurtadillas en las letrinas del Central- encarna una historización anacrónica de cuerpos eslavizados (indígenas, negros, homosexuales) que expone los nudos problemáticos de la construcción de una nación que pregona “patria o muerteâ€ como emblema de su proyecto revolucionario.
Electra (1901) de Benito Pérez Galdós es la obra teatral en español de mayor impacto político y social en el mundo hispánico. Sin embargo, la interpretación que en aquella época se hizo de ella como bandera del anticlericalismo no se entendió en otros países europeos y resulta cuestionable en el contexto hispánico actual. Su propio autor se vio en la obligación de matizar su significado en varias ocasiones. A partir del estudio comparativo de Electra (1901), con su posterior y exitosa Mariucha (1903), se propone un análisis contextualizado del posicionamiento del autor del que resulta su propuesta reformista moderada. A pesar del gran éxito de esta otra obra, la crítica especializada apenas se ha detenido en ella, a pesar de las numerosas semejanzas existentes tanto en la trama como en la puesta en escena. Se atenderá para ello a diversos textos del autor, a la recepción de ambas obras y al ambiente político-social en que fueron estrenadas. Se demostrará cómo, al igual que sucede con otras obras del autor, el verdadero posicionamiento galdosiano no puede juzgarse extrapolando una sola obra del continuum en que fue concebida: concluimos que uno de los motivos cruciales de Galdós al escribir Mariucha fue, precisamente, matizar su pensamiento siguiendo la poética compensatoria con que ya en anteriores ocasiones había concebido sus obras.
La contienda literaria por la creación y (re)apropiación de símbolos en la poesía siboneyista
En 1855, el cubano José Fornaris publicó su obra Cantos del Sibonei, dando inicio al siboneyismo, un movimiento literario que acentúa la singularidad cubana, inspirado en el indianismo y el romanticismo europeo. El carácter popular de su métrica empleada, la décima, posibilitó que sus versos fueran cantados, acompañados por instrumentos populares, y que estos se expandieran rápidamente por las masas cubanas. Entrando en diálogo con los postulados de formación de la nación de Walker Connor y Eric Hobsbawm, dicha permeación en las masas de las ideas de una comunidad imaginada diferente a la metrópolis se considera el punto de inflexión para la consecución de la nación. En el presente ensayo, se explora, desde el marco teórico de Jorge Camacho sobre la literatura de la guerra, la producción lírica de dos autores poco estudiados pertenecientes a ambas vertientes. Por una parte, la poesía siboneyista del poeta tunero Nápoles Fajardo recupera símbolos de un pasado precolombino romantizado a los que se atribuyen nuevas significaciones con el objetivo de enfatizar las diferencias de la cultura siboneya/cubana con la española. A posteriori, el poeta español Luis Ramos notó la gran acogida y popularidad que alcanzó la poesía siboneyista y llevó a cabo un intento de reapropiación y resemantización de los símbolos creados por los precursores cubanos del movimiento, Fornaris y Nápoles Fajardo, ahora en beneficio de la metropolis. De este modo, se pretende demostrar la versatilidad a la que se prestan los símbolos que construyen la nación al pertenecer estos a una “tradición inventadaâ€.
Cuento y decadentismo en el Modernismo mexicano. 1890-1900
Luego de dialogar críticamente con las consideraciones tanto de sus contemporáneos como de la crítica posterior, se busca mostrar que la originalidad del cuento modernista decadentista en México residió en la perspectiva del narrador, al centrar su atención en la descripción de sensaciones y emociones íntimas, impresionistas por breves y fugaces, por intensas, afirman los propios escritores, no reconocidos ni planteadas hasta entonces por la tradición novelesca costumbrista y realista: para ello se analizan tres textos considerados modélicos (“¿Asesino?â€, “La muertaâ€, “En el litoral pacíficoâ€). De esta manera se propone la comprensión de la originalidad del cuento modernista decadentista mexicano en lo que los propios escritores utilizarán su esencia:
Cuento mexicano. Modernismo. Decadentismo. Perspectiva y forma literaria. Brevedad e intensidad.
Modernist elements in the cradle of Basque nationalism: Vicente Aranda’s La leyenda de Jaun Zuría (1888) y Leyendas del Norte as reflected in Sabino Arana Goiri’s Bizkaya por la independencia (1892)
Basque regionalist Vicente Arana’s (1848-1890) Jaun Zuría o el caudillo blanco (1888) and Leyendas del Norte (1890) stand as proof not only of the dissolution of part of Basque regionalism into the postulates of early Modernism, but also of the Modernist influence on the literary narrative of Basque nationalism that emerged with Sabino Arana Goiri’s (1865-1903) foundational essay, Bizkaya por la independencia (1892). This chapter addresses the aesthetic and ideological elements of the Modernism found in Bizkaya por la independencia (1892) from the perspective of the interconnections between that essay and the two novels published by the author’s cousin, steeped in late nineteenth century Bilbao’s pre-Raphaelite artistic environment. The abolition of Basque home rule (1876) and its replacement with the 1878 Economic Agreement under the umbrella of the Second Industrial Revolution (1850-1890) strengthened Bilbao’s bourgeoisie economically while buffeting its cultural self-image, which had already been fluctuating between latter-day Basque regionalism and the exploration of a new ideology. In that new approach political symbiology was interlaced with the aesthetic codes, cults and sacrificial narratives characteristic of a Modernism that sought to supersede the traditional Judeo-Christian promise of eternal life. Our contribution consequently aims to broaden the traditional view of Basque nationalism as a “political religionâ€ to analyse part of its ideological construct as a cross between a series of leitmotifs arising out of Modernist aesthetics: the binomials masculinity/femininity and erotism/violence are enhanced with the attraction toward “nordicismâ€, widely deemed the epitome of civilization in turn-of-the-century intellectual and political circles. The conclusion drawn is that early on, Basque nationalism emerged not only as a new political ideology but as a cosmovision embracing a number of political, cultural and social needs of the middle class’ citizen it targeted. That notion of Basque nationalism is informed by the interdependence between Bizkaya por la independencia (1892) and Vicente Arana’s two contemporary novels.
LORCA’S EL SUEÑO DE LA VIDA: DISCONTINUITY, SUBVERSION, AND THE AUDIENCE’S EXPERIENCE
In the single surviving act of El sueño de la vida (1935-36), Lorca pushes his experiments in metatheatre further than ever before. The fourth wall is broken from the very first moment, and several “plantsâ€ in the audience interact with the principal character, the Autor, on stage. Alarming reports of street violence and powerful sound effects punctuate the second half of the act. From the beginning, it is never entirely clear what the audience is supposed to have come to see, and a considerable number of disconcerting events, large and small, further disrupt the metatheatrical logic and coherence of the main action. This articles explores the range of radical technical and thematic innovations in the theatre that Lorca is calling for here, innovations that are simultaneously described and enacted in El sueño de la vida. The subversion of the audience experience and the many discontinuities that permeate the script are shown to be crucial to how the play operates, defeating expectations at every turn, and thus to how Lorca aims to achieve his goals in this revolutionary play.
As terras enfeitizadas: The Silence and Haunted Landscape of Longa noite as a Recuperation of Galician Historical Memory
Eloy Enciso’s 2019 film Longa noite is an enigmatic and exemplary example of the Novo Cine Galego in both its form and themes. Through its use of non-fiction sources that constitute the majority of its dialogue, the film uses an experimental documentary-style fictional form while insisting on maintaining an inherently Galician quality that features non-professional Galician cast and crew members. Thematically, Longa noite continues the tradition of the Novo Cine Galego in its desire to define Galician cultural identity in an authentic Galician way in the twenty-first century. However, the film juxtaposes these questions of Galician identity alongside the current historical memory movement throughout Spain through the use of its protagonist, O Retornado, and the Galician landscape. Both the protagonist and the landscape form a symbiotic, spectral relationship through which they act jointly to break Spain’s pact of silence and recover repressed memories that resulted from the Spanish Civil War and ensuing dictatorship. Further, the two position Galicia at the center of Spain’s historical memory movement. The film ultimately demonstrates that Galicia, given its history with the Franco regime, the damage that Francoist discourse has caused the region, and its stereotypical, “bewitchedâ€ landscape, is singularly positioned to help the entire country heal from its painful past. In dialogue with historical memory studies, hauntological studies, landscape studies, and the Novo Cine Galego, this essay provides a close reading of Longa noite while simultaneously positioning it within the framework of twenty-first century Galician cultural identity and Spain’s historical memory movement.
Formigas Brancas e Secretos Sexos: The Catastrophe of the First Portuguese Republic in Ruben A. Leitão’s Kaos (1981)
Through the analysis of Kaos (1981), a posthumous novel centered on the First Portuguese Republic (1910–1926), this paper examines Ruben A.’s pessimistic interpretation of Portuguese history and culture. Focusing on his representations of Portuguese personality traits, habits, traditions, and institutions, and particularly on his characterization of politicians and other public figures, this paper asserts that the novelist employs irony, humor, hyperbole, and other literary devices to satirize the First Republic and to expose societal problems that have affected Portugal for centuries. It also suggests that history is in Ruben A.’s fiction a vehicle through which he meditates about the conditions that led to cultural and mental backwardness in Portugal. Furthermore, aside from evaluating the literary elements present in the mentioned novel and the author’s place within Portuguese literature and culture, this essay demonstrates that Ruben A.’s critiques of the Portuguese past and ways of being may have some correlation with personal setbacks and traumatic professional experiences that made him skeptical of his countrymen. Additionally, it dissects the intersections between history and fiction in his oeuvre and investigates how personal life influences his literary production.